La première partie de l’article
PARTIE II – De la révolution à la disruption (1960–2026)
Le Nouvel Hollywood (1960-1980) – La révolte des auteurs
La décennie 1960 voit le système des studios agoniser. Les vieilles recettes ne fonctionnent plus : Cléopâtre (1963), superproduction de la 20th Century Fox avec Elizabeth Taylor, manque de couler le studio à lui seul (son budget dépasse 44 millions de dollars de l’époque). Le public américain, traversé par les convulsions des droits civiques, de la guerre du Vietnam et de l’assassinat de Kennedy, ne se reconnaît plus dans les mythologies dorées d’antan.
La rupture vient d’abord de l’étranger. La Nouvelle Vague française (Godard, Truffaut, Chabrol) révèle aux jeunes cinéastes américains qu’il est possible de faire des films avec peu d’argent, en cassant les codes narratifs, en parlant du monde réel. Le cinéma italien de Fellini et Antonioni ouvre d’autres horizons. Une génération de cinéphiles formés dans les ciné-clubs et les nouvelles universités de cinéma (UCLA, NYU, USC) se prépare à prendre le pouvoir.
En 1967, Bonnie and Clyde d’Arthur Penn (avec Warren Beatty et Faye Dunaway) et Le Lauréat de Mike Nichols (avec Dustin Hoffman et Anne Bancroft, et les jambes de Linda Gray sur l’affiche) marquent une rupture nette : violence graphique, sexualité, ironie envers les mythes fondateurs, identification aux hors-la-loi. Hollywood découvre que son nouveau public est jeune, urbain, et désenchanté.
La MPAA remplace le Code Hays en 1968 par le système de classification (G, PG, R, X) qui existe encore aujourd’hui. Cette liberté nouvelle libère les créateurs.
Alors commence l’une des décennies les plus fertiles de l’histoire du cinéma américain. Un groupe de réalisateurs qu’on appellera les « Movie Brats » prend les rênes de l’industrie :
Francis Ford Coppola signe Le Parrain (1972) et Le Parrain II (1974), deux films qui redéfinissent le film de genre comme tragédie shakespearienne, et Apocalypse Now (1979), déflagration visionnaire sur la folie de la guerre. Martin Scorsese impose un regard brûlant sur l’Amérique urbaine avec Mean Streets (1973), Taxi Driver (1976) et Raging Bull (1980). Robert Altman invente un style choral et improvisé avec MASH* (1970) et Nashville (1975). Hal Ashby (Harold et Maude, 1971 ; Being There, 1979) cultive une mélancolie singulière. William Friedkin terrasse le public avec L’Exorciste (1973). Roman Polanski offre avec Chinatown (1974) sur un scénario de Robert Towne, avec Jack Nicholson, le film noir ultime de l’époque.
Jack Nicholson, Al Pacino, Robert De Niro, Dustin Hoffman, Gene Hackman, Meryl Streep : une nouvelle génération d’acteurs, formés à l’Actor’s Studio et au Strasberg, impose un jeu de rupture avec le glamour artificiel de l’Âge d’Or. Les anciennes gloires de cet âge d’or trouvent pour certaines un refuge à la télévision, mais c’est une autre histoire qui renvoie… à l’objet de ce site tout entier)
C’est aussi l’époque des femmes cinéastes enfin visibles avec Barbara Loden (Wanda, 1970) ou Joan Micklin Silver, et de l’explosion du cinéma de genre indépendant avec la blaxploitation avec Gordon Parks (Shaft, 1971) et Melvin Van Peebles (dont l’un des acteurs phare sera Billy Dee Williams), et l’horreur de série B avec Roger Corman (qui sert de tremplin à Coppola, Scorsese, Bogdanovich).
Les scandales continuent, mais sur fond de liberté nouvelle : Roman Polanski est arrêté en 1977 pour le viol d’une mineure de 13 ans. Il s’enfuit en France avant sa condamnation, une affaire qui hantera Hollywood pendant des décennies.
En 1974, le Watergate et la démission de Nixon exacerbent la méfiance envers les institutions. Hollywood répond : Les Trois Jours du Condor, Parallax View, All the President’s Men, une vague de films paranoïaques qui anticipent une culture du complot.
Mais le Nouvel Hollywood porte en lui les germes de sa propre fin. Les budgets explosent, les égos aussi. La Porte du Paradis de Michael Cimino (1980), flop cataclysmique qui ruine United Artists, signe l’acte de décès d’un certain idéal d’auteur. Un an plus tôt, deux films ont tout changé.
L’ère des blockbusters (1975–2000) – La revanche de l’industrie
En 1975, Les Dents de la mer de Steven Spielberg invente le concept de blockbuster estival : un film conçu pour être vu partout, par tous, simultanément. En 1977, Star Wars de George Lucas révolutionne l’économie du cinéma en prouvant qu’un film de science-fiction peut générer des revenus colossaux non seulement en salle mais via les produits dérivés. Hollywood redécouvre qu’il fait avant tout du divertissement de masse, et qu’il peut en extraire des profits colossaux.
Spielberg et Lucas deviennent les deux figures dominantes de cette nouvelle ère, symboles d’un retour à l’émerveillement et à la narration universelle : E.T. (1982), Indiana Jones, Jurassic Park (1993) pour l’un ; L’Empire contre-attaque (1980), Le Retour du Jedi (1983) pour l’autre.
Les studios sont rachetés par de grands conglomérats : Gulf+Western possède Paramount, Coca-Cola achète Columbia, MCA/Universal est avalé par Matsushita. Hollywood devient une industrie de l’entertainment globale, tournée vers l’international.
Les années 1980 voient s’épanouir des genres nouveaux : le film d’action-spectacle (Sylvester Stallone avec Rocky et Rambo, Arnold Schwarzenegger avec Terminator), la comédie adolescente (John Hughes et le Brat Pack – Molly Ringwald, Emilio Estevez, Judd Nelson), le film fantastique familial (Spielberg produit Gremlins, Les Goonies). Tim Burton impose une esthétique gothique-pop unique dès Beetlejuice (1988) et Batman (1989).
Les années 1990 se placent sous le signe d’un double mouvement contradictoire. D’un côté, des superproductions spectaculaires : Jurassic Park, Forrest Gump (Robert Zemeckis, 1994), Titanic (James Cameron, 1997, premier film à franchir le milliard de dollars au box-office mondial). De l’autre, une renaissance du cinéma indépendant américain portée par Miramax (Harvey et Bob Weinstein), le festival de Sundance et une nouvelle génération de réalisateurs : Quentin Tarantino bouleverse les codes narratifs avec Reservoir Dogs (1992) et Pulp Fiction (1994, Palme d’Or à Cannes), Joel et Ethan Coen imposent leur univers singulier, David Fincher instille une noirceur stylistique avec Seven (1995) et Fight Club (1999), Paul Thomas Anderson (Boogie Nights, 1997 ; Magnolia, 1999) révèle une ambition formelle rare.
Le numérique pointe le bout de son nez : Toy Story de Pixar (1995) inaugure l’ère du film d’animation entièrement en images de synthèse.
L’ère des franchises et des super-héros (2000–2015) – La colonisation du récit
Le nouveau millénaire voit Hollywood opérer un tournant stratégique majeur : face à la piraterie numérique et à la concurrence des jeux vidéo, les studios misent sur les propriétés intellectuelles préexistantes et les univers extensibles.
La trilogie Le Seigneur des Anneaux de Peter Jackson (2001–2003) démontre qu’une adaptation fidèle et ambitieuse d’œuvre littéraire peut conquérir à la fois la critique et le grand public. Mais c’est Marvel Studios qui va redéfinir l’industrie. Iron Man (Jon Favreau, 2008) lance le Marvel Cinematic Universe : un projet inédit de narration transmédia sur la longue durée. Avec The Avengers (Joss Whedon, 2012), le modèle de l’univers partagé s’impose comme la nouvelle norme industrielle. DC Comics, Warner Bros., Universal, tout le monde tente d’imiter la recette avec plus ou moins de bonheur.
Christopher Nolan incarne l’ambition intellectuelle dans le cinéma de grande consommation : sa trilogie Batman (2005–2012), Inception (2010) et Interstellar (2014) prouvent qu’il est possible de satisfaire à la fois les studios et la cinéphilie. Alfonso Cuarón, Guillermo del Toro, Alejandro González Iñárritu, les « Trois Amigos » mexicains, s’imposent comme des auteurs majeurs du cinéma américain mainstream.
Cette décennie est aussi celle du scandale Weinstein, ou plutôt de sa révélation. Harvey Weinstein, co-fondateur de Miramax puis de The Weinstein Company, est depuis des décennies l’objet d’accusations de harcèlement et d’agressions sexuelles. En octobre 2017, The New York Times et le New Yorker publient des enquêtes qui déclenchent le mouvement #MeToo et précipitent la chute d’un homme qui s’était cru intouchable. Le tremblement de terre est considérable : des dizaines de carrières s’effondrent en quelques semaines, Hollywood est contraint à un examen de conscience douloureux sur ses pratiques de pouvoir et de prédation sexuelle.
L’ère du streaming et de la disruption (2015–aujourd’hui) – Le grand basculement
Netflix, lancé comme service de location de DVD en 1997, commence à produire ses propres contenus originaux à partir de 2013 (House of Cards). En quelques années, la plateforme californienne bouleverse les équilibres d’une industrie centenaire. En 2021, Amazon Prime Video, Disney+, HBO Max et d’autres se disputent une guerre du streaming dont personne ne peut encore prédire l’issue.
Pour le cinéma de salle, les conséquences sont profondes. La pandémie de Covid-19 (2020–2021) accélère des tendances déjà à l’œuvre : sortie simultanée en salle et en streaming, réduction des fenêtres d’exploitation, effacement progressif de la frontière entre cinéma et télévision de prestige.
Des réalisateurs comme Martin Scorsese (The Irishman, 2019), David Fincher (Mank, 2020) ou Jane Campion (The Power of the Dog, 2021) trouvent dans Netflix ou Amazon des financements impossibles à obtenir dans les studios traditionnels. La question se pose alors : un film vu sur un écran de téléphone vaut-il le même titre de cinéma qu’une œuvre conçue pour la grande toile ?
Jordan Peele (Get Out, 2017 ; Us, 2019 ; Nope, 2022) s’impose comme le réalisateur américain le plus original de sa génération, réinventant le film d’horreur en outil d’analyse critique de la race en Amérique. Ryan Coogler (Black Panther, 2018) fait d’un film de super-héros un événement culturel et politique. Greta Gerwig (Lady Bird, 2017 ; Barbie, 2023) repousse les frontières de la comédie populaire et féministe. Denis Villeneuve accomplit avec Dune (2021) et Dune : Deuxième Partie (2024) la réconciliation entre ambition artistique et spectacle total.
Hollywood, à l’heure du bilan, ressemble à ce qu’il a toujours été : une industrie vorace, parfois cynique, traversée de scandales et de crises, mais capable, à intervalles irréguliers, de produire des œuvres qui demeurent. La fabrication du rêve continue, sur d’autres écrans, avec d’autres règles. Le mythe, lui, résiste.
Parce qu’il n’y a pas que Dallas dans la vie, dites moi dans les commentaires quels sont vos films préférés de toute l’histoire du cinéma, ceux que vous avez vu plusieurs fois et toujours avec le même plaisir, ceux qui pour vous symbolisent le cinéma à eux seuls.
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